近来刀郎的《罗刹海市》风靡海内，其与所谓的京城大腕们的恩恩怨怨更是街头巷尾，网上网下谈论的热题。因而我便去将整个专辑完整地听了一遍。听完后不禁为之拍案叫绝。而后更是对几首钟爱的歌曲反复听了多次。除了《罗刹海市》之外，《画皮》宛如一支为夜总会所作的精美的爵士乐曲，只要调杯鸡尾酒，调暗灯光便可以反复欣赏，回味无穷。又比如我认为整张专辑里曲调和谐度最高，也就是最为朗朗上口的《颠倒歌》，听上去真的是沉浸其中，浑身放松。
可以说刀郎新作《山歌廖哉》是利用当代音乐的技术风格对中国民间音乐的一次严肃而成功的尝试，对发展中国民族音乐，并使其成为世界音乐史上一份不可或缺的遗产意义非常。
中国音乐史，如果追溯下来，至少可以和古希腊一样长。然而中国音乐却从未像其他艺术方面在世界上引起巨大反响。究其根本，无外乎三个方面。
第一是音色不够丰富。中国的音乐是以五音为根本。五音：宫—商—角—徵—羽，对应于西方音乐的7音结构就等于少了两个音。用简谱来说，五音对应的是1，2，3，5，6, 少了4（F）和 7（B）这两个音，自然听起来就比较的寡淡。
第二个是有曲调，无节奏。简而言之就是不用（或者说是）打不起拍子来。这个问题其实并不是只有负面效果。因为曲调更简单，也不用考虑节奏，只需朗朗上口就好。所以很多民间音乐谁都会哼，谁都会唱。比如陕北民歌信天游。牧羊老汉也可以随时随地高歌一曲，很有点意大利牧歌的意思（这个后面还会谈到）。然而问题在于，这种简单的音乐曲调却使得将中国音乐进一步发展形成了障碍。
第三个就是中国的戏剧发展因为另一种较之音乐更为辉煌的遗产-诗词的禁锢，没有能够帮助中国音乐成为一种独立的艺术语言。中国戏剧的前身可以说是宋词，因为词本来就是可以唱的。每一种词牌对应一个固定的曲调。后来人们把这些通过去粗取精后的不同的曲调填上歌词，再搬上舞台用来讲述一个故事，就成了戏剧。因而中国戏剧从来不以音乐为主（因为曲调都是一样的），而最主要的创作作因素是歌词。可以说中国戏剧资元朝兴起后到了明朝的汤显祖就已经达到了顶峰：原来姹紫嫣红开遍，似这般都付与断井颓垣。良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院！朝飞暮卷，云霞翠轩；雨丝风片，烟波画船——锦屏人忒看的这韶光贱！这里面从对景物的描述到人物的心理活动都是由歌词刻画得栩栩如生，而音乐扮演的根本就是一个辅助的角色。
反观西方音乐的发展，却是因为在文艺复兴时期突破了类似的以词带乐的束缚，才发展出了歌剧，交响乐等等独立的艺术形式。进而为当代音乐打下了完美的基础。
文艺复兴以前音乐的唯一职责是为教堂服务，也就是专业的赞美上帝。至于民间小调那些既然不能登大雅之堂，也就不能由音乐伴奏的。后来文艺复兴开始，一些意大利的开创性人物，比如Medici,在注重绘画雕塑的同时，也试图让音乐创作重回古希腊时期的辉煌，虽然谁也不知道那种辉煌到底是个什么样子。这时候便有一些作曲家把流行乡野的称作牧歌的小调通过去粗取精后搬上舞台，用一组牧歌来描写一个简单的故事，于是便有了歌剧的前身：意大利牧歌剧。看看这个和中国戏剧的早期发展是不是很像？
最早的牧歌是没有伴奏的，就是清唱。曲调有了，填上词上台去唱就好了嘛。若干个曲调填上词就可以讲述一个简单的故事了。后来慢慢的牧歌有了乐器伴奏，但也都是以词带乐。而且演唱方式呆板，就像京剧那样先要有个过门儿什么的开始。
后来到了1600年左右，终于出现了一个大师级人物，叫做蒙特威尔第（Caudio Monteverdi）。他老人家在创作了大量牧歌剧，并反复尝试增加其复杂度和音乐性之后，开始革命性的改变牧歌剧。最根本就是不再让音乐局限于那些一个个的牧歌，而是创作出全新的音乐使得演员可以自由吟唱。而后进一步将咏叹调（与宣叙调想对应，后者实际上就是有伴奏的独白，独白内容决定于歌词，而不是音乐）加入，创作了流传至今最早的歌剧《奥菲欧》。咏叹调的出现，使音乐第一次在舞台剧中起到了主导作用，它的目的是表现人物的思维活动，畅想等。所以加入各种配器和多声部演奏的音乐便可以作为一种独立的艺术语言让听众理解并产生共鸣。这一创举也是同一时期巴洛克音乐所追求的，就是比以往更为复杂的音乐创作。等到巴赫施施然登场的时候，西方音乐的奠基石便坚实的树立起来了。
所以返回来看一下刀郎的新作，不由得不想起西方音乐的发展史。他的这个新专辑共收录11首歌曲。每首的曲调都源自于一种中国民间音乐。他的创作就是通过配器，和声，不同声部等复杂的现代音乐技术使每一只民歌曲调丰富饱满起来，并产生节奏而突出其乐感。这样创作出来的音乐本省就具备充分的表达感染力。这也是为什么我对这张专辑如此推崇的根本原因所在。
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