永远的裸体，和变化的艺术
在艺术中挣扎的裸体，它们有的是一丝不苟的坚硬，有的像在活脱脱的煽情。观察裸体在艺术中表达的方式，仍然是理解一种文化的最好途径。拜占庭时代的金光闪闪，罗马统治时期的严谨坚硬，巴洛克时代的热情洋溢，洛可可时期的肉欲横流，或是浪漫主义时代吸引人的遐想 —— 无不在最大限度地表现着不同时代的特色。
在卡尔（E Carr）的《欧洲情色艺术》（European Erotic Art），文艺复兴时期的第一件裸体雕塑是由吉贝尔提（Lorenzo Ghiberti）于1425年创作的浮雕“天堂之门”（Porta del Paradiso），现在仍然在佛罗伦萨圣若望洗礼堂（the Baptistry）的东大门。雕像中的她正在接受耶和华的召唤 —— 不过她美丽的表情让人想起维纳斯，而她美妙的身体“已经坦然的无所顾忌 …… 。”
洛伦佐·吉贝尔提（Lorenzo Ghiberti）的《天堂之门》（Porta del Paradiso）
人类的裸体形象，自古以来就让艺术家们着迷。从脱衣到赤裸，艺术家们是如此热情和努力地在表达她们，她们也一起参与，共享了艺术家对于世俗的挑战，所有的痛苦和欢乐都表达在艺术家的色彩中。围绕在裸体周围的说词总是存在太多的虚伪。而在艺术上，艺术家可能觉得有责任来证明赤裸（naked）和裸体（nude）之间的差别，他们希望赋予后者以一种纯洁的光环。鲍彻（Boucher）的，裸露的《小姐墨菲》（Mademoiselle Murphy）就是一个表达诚实的，裸体概念的写照。
弗朗索瓦·鲍彻（Francois Boucher）的《路易丝·墨菲（Louise O’Murphy）, 1752,
史蒂夫·汉克斯（Steve Hanks）的《路易丝·墨菲（Louise O’Murphy）,
对于裸体，艺术家要面对挑战。性感的裸体让你产生欲望，是鲍彻的经常感觉；美丽的裸体使让你禁不住地去欣赏她，是安格尔（Ingres）的说法。裸体会让我们感到，女人是我们生活中最好的，最想获有的情意和温暖，是伦勃朗（Rembrandt）的感想；“女人是我们所有一切的源泉，是我们生命力量的起源，我们是在一种最深沉的感觉中热爱她们，一种类似于敬畏的色彩，一种想把她们看成是自己情侣的愿望。”这是鲁本斯（Rubens）对裸体的演释，在艺术上，鲁本斯描绘的她们最接近于女神。
艺术家们在面对裸体时留给我们的遗产：“在过去的500年里，艺术家们已经创建了最伟大的裸体系列”。作为被瞻仰的裸体，不管是钦佩或是排斥，我们观看裸体形象时的复杂情绪，可能比任何其他艺术主题更能影响对于它本身的理解。影响我们最大的因素仍然是我们自己的性别，然后是绘画主题中的情色。在这个世界上的大多数人，必然会以一种非常具体的方式在关注赤裸的人体，由此，裸体也就可能自然的被调和在人类的生活和艺术中。
来自于生活的绘画，一个法语词汇是“学院”（academie），它强调的是学院艺术的职能，这种学院艺术创立在文艺复兴时期的佛罗伦萨（Florence）。到了17世纪，无数的美术院校在意大利和法国如雨后春笋，而它的选址，是取决于可以相对容易地找到裸体的模特可供绘画练习。它们设立的目的非常的简单，它的学习目的就是裸体。让艺术家能获得对于人体形态比例的理解，这也是所有古典绘画艺术的基础。让艺术家个人的热情全神贯注于此，以尽可能微妙的图像来呈现人体血肉之躯的光与质感，并最终在无数的作品中识别和分离出了最伟大的作品和天才。这样一个明显的事实，一直持续到所谓现代艺术的出现。
韦恩（wayne hibschman）：艺术家与模特儿
大约至1900年左右，艺术的智慧开始刻意精神，裸体也从一种真实的写真转化为一种主题表达的载体。裸体女性因此被用来再现神话中的自然和神祗。在文艺复兴时期，女人被用来象征诱惑，事实上，太多的裸体已成为艺术的核心和流行的主题。在“赤裸”的诱惑中 ，女孩子通过艺术家的画室成了“模特儿”。而艺术家总是被自动的想象成那些戴着贝雷帽的家伙，尽管把艺术家视作为勾引和追逐所有木宁芙（wood nymphs）的“潘神”（Pan）并不是事实。但它一直是一种观念。然而，有些背反的事实是，这些艺术家作品又被普遍认为是人类文化的瑰宝。
布格罗（Bouguereau：宁芙和萨特
艺术家工作室里的模特儿总是会引起争议。有一个故事是说伦勃朗（Rembrandt）的一个学生，被发现他与模特在一起“优游”（cavorting），他辩护说，他只是脱了衣服在安慰这个可怜的姑娘，让她感受夏娃是如何地面对亚当。据说，伦勃朗因此把他们踢出了他的工作室。话虽如此说，直到1850年，女人在公共艺术学校做模特的那些事，并没有得到“正式”的允许。在此之前，任何一个女人在艺术家面前摆弄姿势，便会自动地被认为是妓女的“利特秀”而遭致指责。
英二油画：女人与花，2002
而站在裸体的对面，与所有的因素相抗衡，是艺术家在切割他们的作品，也许是因为热爱，还有让作品有机会展现的权衡。一些艺术家超越了条件的限制，以及在意识上的困境，让他们的主题成功地从原始的纯正角度出发，而赋予了真正的杰作。几个世纪以来，人类的思想已经处于一个更加开放的状态，最终，我们已经能公开地欣赏许多艺术家在那种压抑的环境下所创作的伟大艺术作品 。
科林斯（Corinth）的自画像与他的模特，1903年
就像肯尼思·克拉克（Kenneth Clark）说道：“赤身露体是你我的出浴，裸体是一个范畴，它为我们创造艺术，让我们尽可能地被吸引”。在今天这个时代的每一天，影像和图片中的裸体可以以百万张计，人们每天都在面对脱衣的女人和她们豪放的姿势，怎么还有可能让艺术家的裸体吸引更多的人？一个静态的裸体，没有流动的灯光闪烁，没有自慰，没有渗入的意向，如果不是炒作，绘画的裸体还能让观看者着迷，吸引，甚或被唤起？因此，不得不说，在艺术史学家们显得更为理论化之时，艺术更多的，可能已经沉没在比以往的任何梦想都要低的水平，而最精彩的作品，仍然默默地被安置在那些博物馆的墙壁，他们依然美丽，以它们自身的，完美的方式。
古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）：艺术家的工作室，布面油画，1854
艺术家与他的模特
