苏轼,艺术和市场

来源: 窈窕淑女司令于 2009-04-03 14:41:03 [档案] [博客] [旧帖] [给我悄悄话] 阅读数 : (8538 bytes)

本帖于 2009-04-07 10:35:03 时间, 由普通用户淑女司令编辑

来源: 哪吒于 06-02-03

我觉得当代中国艺术对文人画已经下了过多的关注，苏轼的那句“论画以形似，见与儿童邻”被当成了金科玉律。这句话在一定程度上的确很有道理，一味追求形似，画就会死板。但要是把这句话无限放大，认为只要说到形似，就低人一等，这就不对了。

首先要澄清的一点是：即便是米芾、苏轼这样的文人画家，也同样是在画某样具体的东西。这和今天的抽象概念是截然不同的。不能因为他们画中有抽象的笔墨，就认为他们是抽象艺术的滥觞。把随便哪一幅绘画的局部放大，从严谨的北宋院体花鸟到欧洲的古典写实油画，你会发现，它们都可看作是现代的抽象画。

明白了这一点，才能正确理解苏轼那句名言的含义。只是我们往往出于自己的意愿，断章取义，就像吴冠中当年讲了句“笔墨等于零”，结果一片哗然一样。

再讲讲苏轼。

苏轼是我很敬佩的文人，文章、书法、为人……无不卓然不群，很了不起。但人们出于对完美的渴望，比方说林语堂把他塑造成诗书字画无一不精的全才，就画蛇添足了。在绘画上的造诣，他远不及同被冠名为“文人画家”的米芾和文同。即便如此，少了一样绘画，也丝毫不影响苏轼的伟大。

文人画有其野趣，院体画亦有其典雅。我们因为要贬抑形似，所以把整个院体画一棒打死，这是很不明智的。细观北宋的那些院体画，其实气韵生动极了，绝不是平时想象的死板。只是要画出这样的画，得付出比文人画高出数倍的努力。真正生动的画，和工笔或者写意没什么关系。我倒是见过不少呆板的大写意，像一摊冻僵的浆糊。

说到艺术和市场，倒有不少能说的。您文中的去法国学设计，学完了赚大钱，这在我看来毫无问题。他们的目的本来就是设计师，并不是艺术家。设计永远是和市场紧密联系的。

话说回来，即便艺术家提出这样一个要求，也是正当的。大家不能要求艺术家一边饿着自己的肚子，一边造福别人。这样的想法是残忍的。毕竟艺术家不是动物园里的猴子，供大家娱乐就行了，他们和所有其他人一样，有满足物质要求的权利。这不仅正当，而且正常。
不过人们更愿意接受悲情的东西，只要这悲情不发生在自己身上。同情凡高和同情小燕子，并没有本质的区别。贫穷但有才华，似乎总是通俗小说的一个很好的卖点。

富裕并且才华横溢的艺术家，古今中外其实比比皆是。当然，富裕但没才华的艺术家也不在少数，不过数量最为庞大的，却是贫穷并且毫无才华的那批人。
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溪山行旅，中西艺术 (图)

来源: Luc_h 于 06-02-03


	中午给国内的好友打电话，突然想起几年前，一同去看书画展的那个周末。当年轰动一时的‘晋唐宋元书画国宝展’，我俩在上海博物馆门口排了一个早上的队，终于得见72件国宝真迹。总觉得自己很幸运，在国内时能亲眼看到中国书画艺术的精髓，如今在法国朋友面前，谈起西方古代绘画和建筑，尚可列数同时代的东方艺术。幼时学画，懵懵懂懂，只知道照猫画虎，依葫芦画瓢，后来数理化全上来，只得把笔墨纸砚搁到一边。等到重新拾起时，已经满是灰尘，手笔生疏，心中遗憾，只能更多的搜赏他人的佳作，从别处补偿自己。在欧洲待的久了，每到一地，最先看的都是美术馆，世界名画、大师巨作也见过不少，更加觉得中国书画艺术的弥足珍贵。上千年来几经磨难，能流传到今人之手的不足十之一二。除去皇家大内，中国的古代艺术品大都在民间艺术家手中辗转易手，稍有不慎，就毁于一旦，在加上朝代更替，兵荒马乱，多少前人心血结晶不知下落，让后人只得手扶史册，空留遗憾。中国的书画由于材质的缘故，本就脆弱，若在碰到吴问卿等痴疯之人，临死还要把《富春山居图》烧毁殉葬，着实让人扼腕叹息。同样在欧洲，博物馆里十二世纪之前的艺术品也不多见，木雕、壁画大多腐朽破损，只有石刻建筑尚存，其中多亏教堂的收藏和庇护。就年代而言，晋唐宋元大体在欧洲文艺复兴之前，当时的中国社会，就发达程度尚在欧洲之上，艺术环境也更为独立自由，不像中世纪时的西方艺术，只是宗教的附庸，服务于教廷和贵族，普通百姓既无权力享受，也无能力欣赏。不少皇室贵族，例如奥地利女皇，对东方舶来的艺术品颇为喜爱，宫中收藏大量的中国瓷器和家具，或买或抢，不远万里运到西方；可他们不知道，中国艺术的精华并不在这些耀眼的器皿里，他们也无从欣赏，那些破旧纸卷里，饱含的中国文化。欧洲人写自己的艺术史，就用《Histoire de l'art》,中国人翻译过来，还得在前面加上‘西方’二字，已示其与东方艺术的巨大差别。单就绘画中的风景和静物，从对象主题、构图环境，到表现手法、色彩用笔，中西方艺术的见解就大为不同。魏晋之时，中国就已经有独立的山水画，这就比西方早了上千年，隋唐以来，理论技法已相当纯属，展子虔的《游春图》开青绿山水之先河，之后五代的荆浩，董源，北宋的李成，范宽，再到黄公望等元四家，把中国山水画推到一个艺术的顶峰。与此同时，欧州还在中世纪的黑暗之中，艺术的主题仅仅局限在圣经故事，希腊神话和贵族生活。阴暗的罗曼式教堂的壁画里，只有悲伤的圣徒和十字架上的基督；为数不多的世俗风景画，大都构图呆般，局小仓促，哪能见到董源的《潇湘图》里哪种水峦层叠，千里江山，任意展开，无限广阔的景象和意境。直到十八世纪法国巴比松画派出现之前，欧洲画师的传统，都不重视风景艺术，自从工业革命之后，法国、尼德兰和俄罗斯的画家才倾向于田园牧歌般的大自然景色。色彩的放任，自由的构图，欧洲的艺术家在几百年之后才找到一点点中国画家早已渗入骨髓，融入画笔的洒脱和情怀；可他们偏还要用巴洛克的人工画框，把原始的风景，圈在小小的方寸之间。纵然有标准的透视法，纵然有巨大满墙的画布，可西方人不知道，在中国的水墨长卷里，如若画家不收手，观者也会随着江中小舟，一路飘荡下去，如绵无期。西方几无‘书法’这门艺术，不能理解东方人为何把看似简单的‘写字’拔高到同等于绘画的地位。书法里蕴含的是中国文人的风骨和精神，就像‘玉’不仅仅是块白色的宝石，更是道德和操守的表体，当年英国公使马克尼看不出乾隆所赐玉如意的珍贵，至今的西方人也无法参透书法的魅力。虽然欧洲的圣经古迹，手稿文献里也有华丽的装饰字母，花体文字，可那只是僧侣和工匠的少许图案造型，偶尔丰富呆板生硬的拉丁字母。简简单单，二三十个符号如何能与成千上万的方块汉字相比，西方人又如何能在潦草之外，享受龙飞凤舞，颠张狂素的境界。如今，国内的美术院校，基本采用西方的艺术体系教学，从石膏素描开始，人体解剖入手，逐步深入到色彩造型。而中国传统绘画，尤其是文人写意画，讲究的确是神似和意境，忽略外型的模仿，看似随意夸张，实则却渗透了画家主观的理解，和对象内在的气质。美其名曰来法国学造型艺术的中国学生不少，却并不都是真正向往这纯净的缪斯之美，许多是冲着所谓设计、装潢而来，满脑子想着学完了出去赚钱，为广告公司画海报。且不论是否真有天赋，可这初始的目标就不对。真正的艺术家大都清贫，虽然生后广受赞誉，可在世时多是穷困潦倒，饱经沧桑，古今中外皆是，如莫迪里亚尼，如王冕。如今的艺术，许多已经沦为商业的载体，很多人挂的是艺术家的名，行的却是商人的手和心。世风日下，人心不古，当年郑燮不流世俗，甘愿贫苦，如此的清风傲骨今世已罕有可闻，画者都以拍卖行、画廊里，作品的标价为荣，画卖越贵，自己的身价就越高，仿佛艺术成了金钱的标尺，艺术家成了价格的代码，世道如此，可悲可叹。 Luc,2006年2月2日有感于法国兰斯